De Whistler a Cassatt: guía de audio

Christoph Heinrich: Hola, soy Christoph Heinrich, el director Frederick y Jan Mayer del Denver Art Museum. Estoy encantado de darle la bienvenida al museo y a nuestra exposición especial, De Whistler a Cassatt: Pintores Norteamericanos en París. Exploraremos la historia de los artistas estadounidenses que viajaron a París a finales del siglo XIX en busca de formación y oportunidades. Aprenderemos acerca de los nuevos enfoques y técnicas que estos artistas adquirieron allí y de cómo usaron sus experiencias para desarrollar sus carreras tanto en Francia como de regreso en los Estados Unidos.

Cerca de aquí, podrá observar una representación de parisinos vestidos a la moda yendo a las carreras de caballos. La obra está llena de una sensación de luz y color que el artista estadounidense Childe Hassam absorbió durante su aprendizaje en Francia. La pintura se exhibió en el celebrado Salón de París en 1888.

Y ahora, me gustaría presentarle a su guía principal de este recorrido con audio: el curador de la exposición, Timothy Standring, curador emérito del Denver Art Museum.

Standring: Y la gran historia aquí es que los estadounidenses reprodujeron la complejidad de lo que estaba ocurriendo en Francia, lo que es una historia muy bella para nosotros de apreciar, porque saca a relucir no solo el interrogante de qué es el arte norteamericano, sino también la cuestión de la singularidad norteamericana y el individualismo norteamericano.

Narradora: La luz del día ilumina a los estudiantes, quienes se fijan atentamente en un modelo al natural en la Académie Julian, un taller o estudio de París. A finales del siglo XIX, muchos artistas estadounidenses estudiaron aquí, deseando obtener un nivel de formación y prestigio que no podían adquirir en su país. Aquí está Timothy Standring:

Standring: Se fueron allí para aprender a pintar, y así conseguir reconocimiento y entonces adquirir clientes que compraran sus pinturas. Primero dibujarían a partir de obras en yeso. Luego, del natural.

Narradora: Ahora siga adelante y observe las obras de arte de aquí cerca, mientras escucha al artista de Colorado, Ron Hicks, hablar acerca del valor de estudiar la figura humana:

Hicks: En realidad, estás mirando algo que vive y respira, y uno reacciona a esto. Así que creo que esto es de una importancia vital. Creo que mi experiencia, al principio en la universidad, se parece mucho a lo que uno vería en algunos de los antiguos talleres. Al principio estaban las piezas de yeso y las figuras sencillas, había que entender la forma y, en particular, la manera en que la luz y la sombra funcionan, y luego, a medida que avanzábamos, se progresaba hasta el color.

Narradora: Los estudiantes del siglo XIX también trabajaban en blanco y negro y, después, en color. También aprendían sobre composición y perspectiva.

Standring: Era riguroso, era agotador. Cuando el maestro caminaba por el aula, se podía escuchar la caída de un alfiler. Y el maestro se acercaba y decía sobre tu hombro “bon” o “non”: es bueno o no. Y si no decía nada, eso significaba ¡que no era bueno en absoluto!

Narradora: Como artista establecida en su Filadelfia natal, Cecilia Beaux llegó a París en 1888 para seguir su formación (donde creó este exitoso bosquejo un año más tarde). Excluidas de la escuela patrocinada por el estado francés, École des Beaux-Arts, las mujeres podían asistir a las academias privadas.

Burns: Y en los talleres, toda la formación artística estaba segregada por género, como en la Académie Julian, donde ella estudió. Las mujeres artistas tienen acceso a ciertas partes de la formación académica, pero hay otras que están fuera de su alcance.

Narradora: Esta es Emily Burns, profesora titular de Historia del Arte de Auburn University. Las mujeres estudiantes de la Académie Julian dibujaban figuras humanas del natural, pero como se aprecia, ¡se las protegía de un desnudo total!

Se pensaba que los logros artísticos más altos –las pinturas que contaban narraciones históricas o religiosas– requerían unas habilidades intelectuales y técnicas considerables. Estos temas eran considerados inadecuados para las mujeres artistas, que a menudo se dedicaban a las naturalezas muertas, bodegones y retratos, por los que Beaux se hizo muy conocida. A la derecha, puede contemplar el retrato que hizo de su amigo y mentor Alexander Harrison, otro artista estadounidense que vivía en París.

Burns: Me encanta cómo inclina su paleta para mostrarnos todos los diferentes colores, y hay un mayor grosor en la superficie de la pintura en esa parte del cuadro, pues está subrayando el tipo de opciones que los artistas están desarrollando en los talleres de París, entre las esmaltadas y muy terminadas figuras academicistas y las pinceladas más vigorosas que asociaríamos al impresionismo. Así que, ella sitúa a Harrison justo en el medio de esas dos prácticas estéticas.

Standring: Ser aceptado en el Salón de París era como ser aceptado para ir a las Olimpiadas. Quiero decir, el Salón era famoso en el mundo entero.

Narradora: Esta sala evoca el Salón de París de finales del siglo XIX. Presentaba, como prestigiosa exposición anual, arte seleccionado por un jurado cuyo gusto tendía a ser académico y conservador. Los artistas seleccionados esperaban atraer la aprobación de los críticos, y clientes.

Standring: Y los nombres de los artistas norteamericanos aceptados en el Salón se anunciaban en el International Herald Tribune o el New York Post o el New York Times. Y así era como los artistas estadounidenses se hacían famosos.

Narradora: En una exposición tan repleta, ¡el tamaño importaba! El gran retrato de un hombre barbudo con los puños con volantes blancos ayudó a lanzar la brillante carrera de John Singer Sargent. Se trata de Carolus-Duran, el maestro de Sargent en París, de él aprendió esta manera atrevidamente moderna y más suelta de pintar. Cerca de aquí podrá admirar un paisaje crepuscular marino más tradicional, de Alexander Harrison, con detalles bien pintados.

Standring: Las obras eran colgadas por orden alfabético. Así que uno iba con su pequeño livret, un pequeño folleto explicativo, que identificaba todas las pinturas con su nombre y, posiblemente, algún comentario.

Narradora: Usted tiene un livret similar que puede usar para identificar las obras de arte.

Burns: Y creo que, mirando esta pared, podemos hacer una actividad semejante. Retírese un poco y observe hacia dónde gravitan sus ojos, qué destaca en términos de color, de luz, de tema.

Narradora: Esta pintura de una joven intérprete de mandolina nos da una idea del gusto del jurado del Salón: tema tradicional y acabado fino. Fue la primera obra de la estadounidense Mary Cassatt en ser aceptada en el Salón de París.

Pronto, Cassatt trabajaría de una manera muy diferente. Encuentre cerca de aquí a la mujer de blanco con un perro. A principios de la década de 1880, Cassat ya llevaba varios años explorando el impresionismo. Con esta manera revolucionaria de pintar, los artistas capturaban su entorno con pinceladas dinámicas y rápidas de pintura gruesa, ofreciéndonos la sensación de ser testigos de un momento efímero. Aquí está Timothy Standring:

Standring: Si uno mira el ligero toque rosado en su gorro o capota, la manera en que ha captado la iluminación de la luz solar atravesando la transparencia del sombrero, fíjese en las sombras azules creadas con azul cobalto o ultramarino más abajo; ella no ha usado nada de negro aquí - ha usado sencillamente medios cromáticos, colores, para mostrar el modelado de la figura, lo cual es muy diferente a lo que ella había hecho antes–. Ella está capturando la luz en esta maravillosa pintura, que es, sin duda, tan magnífica como la de cualquier otro pintor impresionista francés.

Narradora: La mayoría de críticos y coleccionistas más convencionales habrían considerado las pinceladas visibles y el tema tan moderno de Cassat como una obra sin terminar... e inaceptable. Y de hecho, Cassatt y el círculo impresionista fueron rechazados del Salón cuando pintaron de esta manera. Su enfoque radical atrajo duras críticas, aunque también grandes elogios por parte de públicos más vanguardistas.

Narradora: John Singer Sargent hizo este vívido retrato de su amiga de la infancia, Frances Watts, en 1877. Fue la primera pintura que exhibió en el Salón de París –un gran honor, sobre todo porque solo tenía 21 años de edad–. Sargent ha inspirado, desde hace mucho tiempo, al artista Ron Hicks. A Hicks le encanta el increíble poder de observación de Sargent y su capacidad para transmitir emociones.

Hicks: John Singer Sargent tenía esta capacidad de ver el tono, ver la forma, ver relaciones, absorber toda esa información y plasmarla en el lienzo con precisión, y entonces hacerlo de una manera emotiva. Su gesto, la forma en que está sentada en la silla, es fantástico y, desde el punto de vista emocional, te lleva a preguntarte: "Bueno, ¿en qué está pensando? ¿Qué es lo que está pasando con esta persona en particular?”.

Cuando empecé a usar modelos con regularidad, pensaba: “Tengo esta idea. Voy a poner a esta modelo en esta postura”. Pero si solo es una réplica de las características físicas de esa persona, y no hay nada más allí, entonces uno no ha hecho de verdad un retrato. Así que dejo a esa persona que sea ella misma, y entonces absorbo esa energía.

Y creo que esa es la alegría del diálogo que nosotros, como artistas, presentamos. Plantea más preguntas que respuestas, pero eso me encanta. Y creo que eso es lo que Sargent me aporta.

Narradora: Una luz solar pálida atraviesa la niebla matinal en esta escena de John Henry Twachtman. Está construida con una estrecha gama de colores armónicos que van desde los tonos pálidos hasta los oscuros. El tonalismo, que es como se conocía a este estilo, fue explorado por varios artistas norteamericanos que pasaron por París en los años de 1880. Fueron influenciados por James McNeill Whistler, quien había llegado a Europa desde los EE. UU. treinta años antes. Algunos de los evocadores paisajes de Whistler están expuestos aquí cerca. Las pinturas de Whistler celebraban la belleza y el color en sí mismos.

Standring: Whistler dijo: "Si no te importa tu paleta, no te importa tu pintura".

Narradora: Ecos del arte japonés –entonces muy de moda en los círculos artísticos de París y Londres– pueden detectarse en las composiciones planas y sencillas de Whistler. Más aún, a menudo titulaba sus pinturas con nombres musicales, las llamaba nocturnos o sinfonías para enfatizar su naturaleza lírica y romántica.

Esta sala evoca el conjunto de pinturas de un coleccionista privado. Estas obras más pequeñas, con su imaginería poética que apela a la memoria y la imaginación, fueron extremadamente populares entre los coleccionistas de ambos lados del Atlántico.

Standring: Imagínese poniendo una pintura como esta en su sala, y luego pensar “Oh, qué estupendo la pasamos el verano pasado en Normandía”, y tener un recuerdo de aquella visita justo en su sala. Eso era lo que ocurría. Por esa razón coleccionaban.

Narradora: En esta pintura de Theodore Robinson, una procesión nupcial serpentea por el pueblo de Giverny en Normandía. El novio es el artista estadounidense Theodore Earl Butler, amigo y colega de Robinson, y la novia es Suzanne Hoschedé-Monet, hijastra de Claude Monet.

Monet vivía en Giverny. Y los pintores norteamericanos también se reunían allí.

Burns: Para los artistas, el campo era el lugar donde experimentar fuera de las convenciones academicistas. Para los artistas estadounidenses, era bastante común quedarse en París para lo que hoy en día consideramos el año académico y luego, en verano, marcharse a las colonias de artistas, la mayoría al oeste de París, en Normandía y Bretaña.

Narradora: Allí, estudiaban los efectos cambiantes de la luz y del clima en el paisaje. Trabajaban au plein air, es decir, al aire libre, dando a su obra una sensación de inmediatez. En el pasado, los bosquejos de exteriores se hacían, a menudo, como preparación para la pintura de estudio, con superficies cuidadosamente acabadas y finas. Pero los “bosquejos” de los impresionistas se exponían ahora como pinturas por derecho propio.

Burns: Y si observa las pinturas de la sala, se dará cuenta de que ninguno de los artistas exhibe exactamente las mismas pinceladas, lo que las convierte en una fórmula que representa verdaderamente la individualidad artística.

Narradora: Esta colina extraordinaria, con sus campos estrechos, asciende hacia un horizonte tan alto que el cielo queda reducido a una delgada franja azul. Y el primer plano consiste, sencillamente, en una vasta extensión verde, con solo una diminuta figura blanca para darnos una idea de la escala. Es una imagen extraordinariamente moderna: se trata más de los patrones y el color que de registrar el aspecto exacto del paisaje.

Esta obra la pintó Theodore Robinson, que vivió entre los EE. UU. y Francia durante la mayor parte de su carrera. A menudo trabajaba al lado de Claude Monet en Giverny. También ayudó a establecer una colonia de verano para artistas estadounidenses en el pueblo, que se convirtió quizás en el destino veraniego para pintores norteamericanos más famoso de Francia.

Influenciado por Monet y los otros impresionistas, muchos artistas norteamericanos se alejaron de los tonos más oscuros y el tema narrativo de la pintura academicista. Se inclinaron por un enfoque más ligero y brillante, pintando al aire libre, y trabajando directamente delante del tema, empleando pinceladas rápidas y sin mezclar. La creciente disponibilidad de caballetes portátiles producidos industrialmente y de pinturas en tubos metálicos –como los que tenemos hoy– facilitó sobremanera el trabajo al aire libre.

Cerca de aquí, encontrará una vista con árboles y cabañas bañados en la luz malva del atardecer. Es del artista californiano Guy Rose, que se asentó en Giverny por algunos años justo al inicio del siglo XX, habiéndose formado previamente en la Académie Julian. Rose también llegó a conocer bien a Monet, a quien consideraba su amigo y mentor.

Narradora: Cuando esta pintura se exhibió por primera vez en la ciudad de Nueva York, el público quedó maravillado ante la plateada evocación de la fresca luz del norte –y la prodigiosa habilidad del artista de 21 años–. John Singer Sargent había llegado a París unos pocos años antes para su formación, asombrando a todos en el taller.

Standring: Él desenrolló una serie entera de dibujos, dejando a todos atónitos. Hubo sorpresa y fascinación en el estudio de Carolus-Duran. Y dijeron: ¿este joven de 18 años puede hacer trabajos como este? Es increíble.

Narradora: Sargent pintó este cuadro en la costa de Normandía, pero no es fácil manejar un lienzo grande, pinturas y pinceles al aire libre.

Standring: Puede que sople el viento, llueve mucho en Normandía y hace más bien frío todo el año.

Narradora: Así que, probablemente, hizo los estudios para la figura más pequeña, que puede contemplar aquí cerca, al aire libre. Y luego los usó para producir la pintura más grande en su estudio –una práctica bastante habitual–. Una versión más grande ganó la Mención Honorable del Salón de París.

Standring: Creo que lo que es fascinante acerca de Sargent es que es difícil de clasificarle. No es un pintor academicista, ni naturalista, ni impresionista. Es un poco de todo. Es muy fluido y versátil en su pintura. Y, bueno, es muy difícil imitar a Sargent. Sabe cuánta pintura poner y cuándo retirar el pincel cuando lo usa y lo retuerce, y entonces dejar esos maravillosos toques de color por la superficie. Y eso es lo que hace que sus pinturas sean tan maravillosas.

Narradora: En esta pintura que data de 1895, un muchacho trabaja tallando zuecos, o zapatos de madera. Fue una de las primeras pinturas de las muchas de Henry Ossawa Tanner en ser aceptada por el Salón de París. Tanner ganó una medalla en el Salón de París de 1897 –un raro honor para un norteamericano–.

como artista negro, Tanner había hecho frente a un racismo debilitante en los EE. UU. Y, en 1891, se mudó a París en busca de nuevas oportunidades. El artista Ron Hicks:

Hicks: Creo que nosotros, como artistas, queremos simplemente ser artistas y crear, aunque hay todo ese ruido que a veces puede interferir en esa dinámica. Así que, yo me imagino que él quería sencillamente pintar.

Narradora: Después de estudiar en la Académie Julian, Tanner se especializó en escenas religiosas, combinando una preparación académica rigurosa con un sentido espiritual de la narrativa. Alcanzó un gran éxito.

Burns: Aunque los críticos estadounidenses le prestaron mucha atención como artista negro que trabajaba en el extranjero; la crítica francesa muy rara vez, por no decir que nunca, mencionó que era un artista negro.

Narradora: Tanner pasó el resto de su vida en Francia y a menudo exhibió en el Salón. Al final fue premiado con el máximo galardón francés: la Legión de Honor.

Hicks: Eso es una hazaña asombrosa de por sí. Yo creo que inspiró a mucha gente a decir: "Si él puede, entonces estoy seguro de que nosotros podemos o de que yo puedo o hay esperanza", sobre todo para la gente de color. A medida que pasa el tiempo, uno ve gente más diversa llevando el arte a diferentes niveles.

Burns: Estas son pinturas al pastel de los cientos de representaciones de escenas de madre e hijo que Mary Cassat hizo a lo largo de su larga carrera en Francia. Y en parte, de varias maneras, el espacio doméstico era visto como el tema adecuado para las mujeres artistas. Pero creo que, si observamos cuidadosamente las representaciones de Cassat, podemos ver las maneras en que el espacio doméstico es a veces dinámico o disruptivo.

Narradora: Cassatt, como su amigo Edgar Degas, estuvo influenciada por la perspectiva aplanada de los grabados japoneses y por la manera en que la fotografía recortaba a menudo los objetos en los márgenes. Cassatt traspasa los límites del retrato convencional de otras maneras también.

Los coleccionistas europeos y norteamericanos compraron obras como estas en las nuevas galerías de arte privadas que surgieron a finales del siglo XIX en París. Estas galerías presentaban a menudo exposiciones individuales. Este espacio, que presenta solo obras de Cassatt, está organizado para darle la sensación de una galería de ese tipo.

Narradora: Manchas de puro color, algunas increíblemente finas, otras anchas y casi abstractas se combinan para configurar este encantador retrato al pastel de Mary Cassatt. Las pinturas al pastel eran muy populares entre los coleccionistas.

Standring: Era algo entre la pintura y el dibujo. Tenía una viveza que ni óleos ni acuarelas podían alcanzar. Y tenía un tipo de toque visceral, vigoroso, a través del cual el trabajo del artista se revela gradualmente delante de nuestros ojos, lo que nos acerca al acto de crear. Y creo que es eso lo que los clientes reconocían y apreciaban en artistas como Cassatt.

Narradora: El marchante de arte parisino Paul Durand-Ruel promocionó las carreras de muchos impresionistas. Celebró la primera exposición individual de Cassat y la ayudó a encontrar un mercado tanto entre los coleccionistas franceses como entre los norteamericanos. Las galerías privadas ofrecían una nueva manera para críticos y coleccionistas de experimentar la obra de un artista en profundidad.

Burns: Y si pensamos de nuevo en el Salón, con las pinturas colocadas apretadamente en la pared, esto funciona de manera muy diferente. Los artistas y marchantes están animando a los clientes a que contemplen cada obra individualmente. El tamaño de las pinturas empieza a volverse cada vez más pequeño para alentar ese tipo de observación íntima y cuidadosa. Y, de alguna manera, podemos ver el declive del Salón en calidad de árbitro, pues estos otros espacios, donde, por ejemplo, expone Cassatt, empiezan a emerger.

Narradora: Durand-Ruel amplió sus operaciones y abrió una galería en Nueva York, apoyándose en clientes norteamericanos que tan cuidadosamente había cultivado

Narradora: Al ver esta deslumbrante pintura, un crítico comentó que el artista debió haber tenido una botella con rayos de sol en donde mojar su pincel. Con el cielo al fondo y el mundo a sus pies, esta joven y elegante mujer es la hija del artista Frank Weston Benson, retratada aquí en su residencia de verano en Maine. La pintura está llena de las brillantes pinceladas impresionistas que Benson había aprendido en Francia.

Pero no todos estaban encantados con esta nueva y extraña manera de pintar.

Standring: Algunos artistas regresaron a los EE. UU. tras su estancia en París y descubrieron que sus recién adquiridas habilidades eran consideradas por los críticos como carentes de americanidad.

Burns: La idea de que la pintura norteamericana carecía de rasgos característicos que no estuvieran ligados a la manera francesa de hacer arte empezó a inquietar mucho a la gente, y unos pocos críticos más conservadores se quejaron de que los artistas estadounidenses, y cito aquí a uno, intentaran “pintar América a través de una lente francesa”.

Narradora: Benson y otros nueve artistas en esta situación, excluidos de las exposiciones de la National Academy of Design en Nueva York, formaron un grupo que llegó a ser conocido como Los Diez. Intentaron forjar su propia trayectoria y organizar sus propias exposiciones independientes –tal como habían hecho antes los impresionistas franceses–.

Narradora: Esta área recrea la sensación de una exposición en Nueva York, Boston o Filadelfia del grupo de artistas estadounidenses conocido como Los Diez. Las pinturas están distribuidas de una manera bastante densa, estilo Salón, subrayando sus diferentes enfoques. Encontrará una guía de las pinturas en su livret.

Standring: Estas pinturas son absolutamente imponentes - un poco de naturalismo, un poco de academicismo, un poco de impresionismo, paletas brillantes, lienzos grandes–, se trata de una rica experiencia norteamericana.

Narradora: Los temas van desde dramáticos acantilados marinos y paisajes frondosos hasta tranquilas escenas domésticas. Edmund Tarbell retrata a su esposa y sus hermanas en una encantadora variedad de vestidos veraniegos rojos, blancos y azules. Cerca de aquí encontrará la representación de intensos colores de Childe Hassam de una mujer con una pecera con peces dorados. Estas pinturas tienen ecos del impresionismo francés en el que se sumergieron Tarbell, Hassam y otros durante sus años de estudiantes en París.

Pero las críticas de que su trabajo era “demasiado francés” empezaban a calmarse. La clave puede que esté en sus temas. Los impresionistas franceses habían representado escenas tanto urbanas como rurales, y gente de todas las clases sociales, incluidas personas pobres. Pero Los Diez se enfocaron en familias acomodadas en su tiempo de ocio y en los bellos paisajes norteamericanos.

Burns: Creo que había la sensación de que estas pinturas habían hecho del impresionismo algo diferente y más aceptable. Y estos artistas empiezan a encontrar mecenas estadounidenses que también apoyan sus obras.

Narradora: Con la llegada del siglo XX, se empezó a mirar con desaprobación a los artistas estadounidenses formados fundamentalmente en Francia. Existía la sensación de que el arte norteamericano debía hablar acerca de temas e individualidad norteamericanos. Debería verse norteamericano. Este cronograma incluye algunos de los acontecimientos históricos que configuraron los EE. UU. durante esta época.

Hemos visto como estos artistas, adaptándose a públicos en sintonía con una sensibilidad más nacionalista, pintaron paisajes gloriosos norteamericanos y familias adineradas en jardines veteados por el sol y fincas al borde del mar. Y, no obstante, no dieron la espalda a las experiencias que los habían forjado. El proceso de descubrir, absorber, cuestionar y adaptar las influencias todavía está muy presente en la mente de los artistas de hoy. Tal como lo está la cuestión de cómo lo entienden a uno como artista –al igual que lo estaba para Los Diez. Aquí está Ron Hicks:

Hicks: La trayectoria artística está llena de descubrimientos. A veces hay artistas que durante toda su carrera hacen una sola cosa. Pero también hay otros cuyo objetivo es absorber información, absorber ideas y expulsarlas, hacer preguntas sobre ellas. Puede que, en un año o seis meses, me encuentre en una situación diferente, y estoy abierto a eso.

Por supuesto que hay algunas comunidades que puede que estén algo marginalizadas, pero estoy contento de ver que muchos museos, y algunas galerías, están empezando a colocar en primer plano a un grupo diverso de artistas, lo que, por cierto, ya hace tiempo que se debería haber hecho.

Narradora: Estamos aquí de vuelta en París. Pero es una vista muy poco convencional de la ciudad. En lugar de representar un amplio bulevar o un parque de moda, esta pintura de Edward Hopper nos muestra, desde debajo de un puente, figuras que, empujadas por el viento, cruzan el río Sena.

Standring: Es verdad que Hopper quería sencillamente mostrar el reverso de la bella coraza de París. No quería asociarse a ningún grupo. Quería ser individual. Y qué mejor conclusión para esta exposición, como ejemplo de la singularidad y el individualismo norteamericano, que esta maravillosa obra de Hopper.

Narradora: Por la época en que Hopper hizo este cuadro, en 1907, los artistas estadounidenses trabajaban de maneras muy diversas –como se aprecia en las otras pinturas de esta pared–. Y seis años después, el New York Armory Show de 1913 entusiasmará y conmocionará a los espectadores norteamericanos con el arte de, entre otros, Pablo Picasso, Henri Matisse y Marcel Duchamp. Marcó un giro monumental hacia el modernismo en el arte norteamericano –algunas de cuyas raíces se hallaban en los enfoques abiertos y experimentales de los artistas que hemos explorado hoy–.

Esperamos sinceramente que haya disfrutado de la exposición. Por favor, deje el dispositivo de audio en el quiosco al salir.

Adele Tanner: Saludos, queridos amigos. Quiero decir... ¿qué hay? Perdónenme, por favor. Acabo de llegar del pasado, así que puede que no sepa su argot del todo... Sí, me oyeron bien, ¡del pasado! He viajado en el tiempo desde el año 1913 hasta aquí. ¡Y tengo la magia de tener cualquier edad que desee!

Genial, ¿verdad? Saben, soy una aspirante a periodista especializada en arte y cultura. Estoy aquí para reportar sobre mi increíble abuelo, que es un artista magnífico... quiero decir, padrísimo. Se llama Henry Ossawa Tanner. He viajado exactamente a este momento y lugar en Denver, Colorado, porque oí que él estaba en esta exposición y necesito asegurarme de que todo el mundo conozca todo sobre su arte. Viajar en el tiempo a una exposición futura donde aparece mi abuelo dará material para una buena historia de vuelta a casa en mi tiempo, ¿verdad? Espero que a medida que recorramos esta exposición, conozcamos a muchos artistas que, como mi abuelo Henry, nacieron en EE. UU. y viajaron a Francia a estudiar y hacer arte. Empecemos contemplando esta pintura llamada El Día del Gran Premio de Childe Hassam. ¿Qué es lo que notan en esta pintura? Les puedo decir que se trata de un desfile muy sofisticado. ¿Adivinan hacia dónde se dirige el desfile? Van todos a ver una carrera de caballos. ¿Todos ustedes hacen eso en su época? Yo nunca he estado en una, pero algún día espero escribir una historia sobre las carreras. También puedo reportar que Childe Hassam acaba de ganar una medalla de oro por esta pintura en la exposición más famosa del mundo: ¡El Gran Salón de París! Estoy deseando ver qué otros artistas están aquí. ¡Reunámonos adentro, en la próxima parada!

Adele Tanner (AT): ¡Oh, qué maravilla! ¡Un taller de arte! Mi abuelo Henry pasó muchísimo tiempo en un taller como este. ¡Y madre mía! Aquí hay un autorretrato de su buen amigo y maestro, Thomas Hovenden. ¿Oh, Thomas, está usted ahí? Soy yo, Adele Tanner, la nieta de Henry. Como he viajado en el tiempo, puedo hablar con los artistas y la gente que están adentro de los cuadros.

Thomas Hovenden (TH): Adelita, ¿de verdad eres tú? ¿Conseguiste viajar al futuro?

AT: ¡Sí, Thomas, lo logré! Y ya hice algunos nuevos amigos que están ahora aquí conmigo escuchando. Thomas, en esta obra de arte está usted en una postura muy relajada, ¿cómo es eso?

TH: ¡Ja, ja! Bueno, a decir verdad, el maestro con el que estudio a menudo pinta figuras en estas poses tan relajadas. Así que pensé, ¡voy a pintarme en esta pose! En esta obra de arte, estoy celebrando la literatura, la música y la pintura. ¿Puedes encontrar las tres?

AT: Mmmm. Bueno, la pintura es obvio, con el enorme lienzo y la paleta de pintar en el fondo. Amigos, ¿pueden ustedes encontrar la literatura y la música? Oh, espera... ¿en sus manos? ¡Pero cómo... es un violín! Ah y mira, libros en el fondo. ¡Lo logramos, amigos!

TH: Sí. ¡Muy bien!

AT: Qué gusto verle, Thomas. Tengo muchas ganas de ver a mi abuelo Henry. ¿Lo ha visto?

TH: Bueno, ¡justo esta mañana estuve pintando allá afuera con él! Me parece que está en la sala siguiente.

AT: ¡Maravilloso! Amigos, ¡nos vemos en la pintura de mi abuelo Henry Tanner en la sala siguiente! ¡Adiós, Thomas, y gracias!

TH: ¡Hasta la vista, Adelita y amigos!

Adele Tanner (AT): ¿Abuelo? ¿Abuelo Henry?

Henry Tanner (HT): ¡Santo cielo! ¿Adele, nieta mía, eres tú? Oh, querida, ¡el futuro se ve muy bien en ti! Bienvenida a esta sala que ha sido dispuesta como el Gran Salón francés, la exposición anual de arte más importante del mundo celebrada en París. Aquí contemplarás ¡miles de obras de arte, pinturas y esculturas! Si miras en el livret, el pequeño folleto que recibiste, encontrarás los nombres de los artistas y de los cuadros de esta sala del Salón. Yo fui incluido en el Salón de París Busca el mío, de Henry Ossawa Tanner.

AT: Nunca la había visto antes.

HT: ¡Oh, sí! Pinté esto cuando empecé a sentirme más seguro como artista y comencé a vender mis cuadros allá en Filadelfia. Por desgracia, enfrenté mucho racismo allí. Como artista afroamericano, yo era extremadamente tímido. Me hicieron sentir que no querían que estuviera en un lugar donde tenía todo el derecho a estar. Se me cayó el alma al suelo y sufrí mucho. Decidí mudarme a Francia, donde mis pinturas serían aceptadas.

AT: Siento que te ocurriera eso. ¡Tengo que poner esto en mi artículo! Me encanta que pintas afroamericanos como nosotros, pero no me gusta que tuvieras que enfrentarte a un racismo horrible.

HT: Me hizo ser más fuerte, y me convirtió en el artista que soy hoy. Sí, añade eso a tu artículo, mi nieta.

AT: ¡Por supuesto! Abuelo, como ya sabes, cuento con tan poco tiempo aquí y tenemos tanto más que ver para poder hacer mi artículo... ¿Podemos volver a vernos en un ratito?

HT: Ah, sí. Estoy convencido de que quizá me veas aparecer muy pronto.

AT: ¡Maravilloso! ¡Hasta luego! Amigos, nos vemos en la próxima pintura, titulada Verde y violeta: la caminata vespertina.

Adele Tanner: Como esta exposición se llama De Whistler a Cassatt, tenemos que, por supuesto, ver ¡una pintura de James McNeill Whistler! ¿Les cuento un pequeño secreto muy divertido acerca de Whistler? Él firma sus cuadros en la forma de una mariposa con un largo aguijón por cola. ¡Miren bien y lo verán! Parece ser que representa su manera sutil o delicada de pintar y su, en ocasiones, personalidad combativa y cascarrabias. ¿Qué notan en esta pintura? Escuché que solo usó tres colores en esta obra. Verde y violeta aparecen, evidentemente, en el título. ¿Cuál es el otro color principal que notan? Creo que el azul del agua destaca muchísimo. Me parece un artista fascinante, ¡quizás lo conozca y entreviste algún día!

Mientras tanto, vamos a buscar colores espléndidos. ¡Nos vemos en la pintura de colores vivos llamada Amapolas!

Adele Tanner (AT): ¿Han corrido alguna vez por un campo de amapolas? Bueno, si no lo han hecho, ¡apuesto a que perderse en esta pintura tan llena de color es todo lo que necesitan para imaginárselo! Robert Vonnoh fue un artista impresionista estadounidense que pintó este cuadro en Francia, y la gente pensó que era casi DEMASIADO moderno. ¿Por qué? Se preguntarán.

Amapola (A): Por la manera en que está pintado, ¡el artista ni siquiera se preocupó de suavizar las pinceladas! Y usó colores muy brillantes mientras capturaba las impresiones de la luz en los objetos naturales. Cuando lo vieron por primera vez, a los espectadores les pareció muy impactante.

AT: ¿Qué...? ¿Quién dijo eso?

A: ¡Pfff... aquí abajo! ¡La amapola más bonita del grupo!

AT: ¿Una... una amapola que habla? ¡Parece ser que también puedo hablar con las flores! ¡Hola, soy Adele Tanner y estos son mis amigos!

A: Encantador. Encantada de conocerlos, Adele y amigos. Robert Vonnoh se inspiró en nuestros intensos y bellos colores, algo que también era muy popular entre los impresionistas franceses. Pintó esto como si estuviéramos mero en medio de un jardín entero de amapolas. De lejos, somos una pintura hermosa. De cerca, hay goterones y toques rápidos de colores sin mezclar que los impresionistas hicieron famosos. Miren, simplemente, con qué brío pintó mis flores rojas y amarillas flotando sobre mis tallos verdes.

AT: ¡Es exquisito! Quiero decir... ¡es padrísimo! ¡Vonnoh y mi abuelo estudiaron arte en Francia! ¡Guau!

A: Espere un momento... ¿Su apellido es Tanner? ¿Henry Tanner es su abuelo?

AT: ¡Sí!

A: Vonnoh y su abuelo se encontraron brevemente en Francia. ¡Él también es un artista fantástico que infunde vida en su arte!

AT: ¡Gracias, Amapola! ¡Hasta luego! Tenemos que buscar a mi abuelo otra vez y decirle a quienes hemos conocido hasta ahorita. Amigos, ¡encontrémonos delante de la próxima obra que veamos de Henry Tanner!

Henry Tanner (HT): ¡Bú!

Adele Tanner (AT): ¡Abuelo, me has asustado!

HT: (Riendo) ¡Oh, disculpa! ¡Solo quería volver un momento contigo y tus amigos! ¿Cómo va la visita?

AT: ¡Maravillosa, abuelo! ¡Hemos tenido la oportunidad de hablar con Thomas Hovenden y platicar con una bella amapola que habla!

HT: ¡Qué suerte la de ustedes!

AT: ¡Guau, qué emocionante! ¿Nos puedes contar más de tu cuadro, abuelo?

HT: Esta pintura, El joven fabricante de zuecos. Puedo decirte que el orgullo con el que mira el hombre al estudiante que está tallando un zueco es el mismo que siento yo hacia ti y tu deseo de convertirte en periodista, mi nieta.

AT: ¡Oh, para! ¡Me estás avergonzando! Además, no creo que nuestros amigos aquí en el futuro sepan lo que es un zueco.

HT: ¡Pamplinas! ¿Quién no sabe lo que es un zueco? Mira sencillamente la cosa de madera que está haciendo el muchacho en el caballete. ¿A qué se parece?

AT: A un zapato, claro, pero los zapatos del futuro se ven muy diferentes a los zapatos de nuestra época. ¡Te sorprenderías!

HT: Ya veo. En cualquier caso, poner el trabajo que hace falta para hacer las cosas que uno necesita es algo muy digno, y esta pintura es un tributo a eso.

AT: Por supuesto. ¡Gracias, abuelo! ¡Hasta ahorita, esta exposición está siendo fantástica!

HT: ¡Estoy muy feliz de que la estén disfrutando! Bueno, pásenla bien, ¡y ve con cuidado en tu viaje por el tiempo de regreso a casa, jovencita!

AT: ¡Así lo haré! ¡Te quiero, abuelo! Antes de que tenga que volver, debemos encontrar a Mary Cassatt. ¡Nos vemos en la próxima sala!

Mary Cassatt (MC) (Bebé llorando) Ya, Ya, Ya... en seguida terminamos y podrás dormir profundamente en los brazos de tu mamá. Shhh...

Adele Tanner (AT): ¡No puedo creerlo! ¡Es Mary Cassatt! ¡La artista Mary Cassatt está aquí!

MC: ¡Shhh! Va a despertar al bebé otra vez.

AT: ¡Señorita Mary Cassatt! Hola, soy yo... Adele Tanner...

MC: ¡Adele Tanner! ¡Oí que estabas escribiendo una historia sobre nosotros y sobre esta exposición! ¡Maravilloso!

AT: ¿He oído llorar a un bebé? ¿Vino eso del cuadro?

MC: Oh, sí, disculpa. Se pone de mal humor, si no toma una siesta.

AT: ¡Ey, amigos! ¿Qué notan cuando miran este cuadro? ¿Cómo les hace sentir? ¿Qué colores captan su mirada?

MC: Cuando pinté este retrato, quería crear una imagen tranquila y reconfortante de una madre y un niño.

AT: Puedo sentir el amor y la calidez de esta pintura. Miren qué relajado está el bebé, se ve seguro con ella. La madre lo sostiene con mucho amor. ¡Los dos se ven felices!

MC: ¡Muy buenas observaciones, Adele! ¡Te estás escuchando como una verdadera fan de los artistas!

AT: Oh, soy una apasionada del arte... Quiero decir, el arte es...

MC: (Bebé llorando) Oh, bueno, parece que alguien se ha puesto de mal humor otra vez. Sí que quiero decir lo valiente que eres al perseguir tu sueño de ser periodista. Eso no puede ser fácil para una mujer cuando la mayoría de los periodistas son hombres.

AT: ¡Oh, dios mío, qué cumplido! ¡Usted me inspira! Mírese a usted misma, atreviéndose a ser artista cuando está rodeada sobre todo por hombres. Qué valiente es usted.

MC: Bueno, ¡pues brindemos por nosotras y nuestra valentía! Disfruten de la exposición y gracias por detenerse y permitirme compartir este cuadro de madre e hijo.

AT: ¡Gracias, Señorita Cassatt! ¡Amigos, este lugar se vuelve cada vez mejor! Voy a tener una historia extraordinaria para mi artículo una vez que terminemos. Pero todavía no hemos acabado, ¡vayamos a nuestra próxima aventura mágica llamada Las hermanas!

Elizabeth Benson (EB): ¡Devuélvemelo!

Sylvia Benson (SB): ¡No!, es mío

EB: ¡Devuélvemelo!

SB: ¡No!, es mío

Adele Tanner (AT): ¡Ey, ey, ey! ¿Qué está pasando aquí?

EB: ¡Ella está a punto de robarme el sombrero, y el sombreo es mío!

SB: ¡El que primero llega, todito se lo queda! ¡Se te cayó y yo lo vi primero!

EB: ¡Que no!

SB: ¡Que sí!

AT: ¡Chicas! ¡Chicas! Dios mío, ciertamente ustedes no están a la altura de la pintura que su padre intentaba crear.

EB: ¿Qué quiere decir?

AT: Bueno, oí que su padre, Frank Benson, retrata afectuosamente a sus hijas como visiones angelicales perfectas de la juventud. Yo diría que ahora no se están comportando como ángeles.

EB: Bueno, yo no quiero ser un ángel y, además, ¿a usted qué? ¿Quién es usted, si se puede saber?

AT: Me llamo Adele y soy la nieta de un artista famoso también, Henry Tanner. ¡Solo que yo no me peleo con mi hermana por un tonto sombrero!

EB: ¿O sea que usted dice que nunca se pelea con su hermana y que se comporta perfectamente bien todo el tiempo?

AT: ¡Correcto, no me peleo! Pero les cuento un secreto: a medida que se hagan mayores, su padre pintará a menudo imágenes muy bonitas de usted y sus hermanas. Es obvio que las quiere mucho... aunque quizás también se sienta un poco triste porque están creciendo muy rápido

EB: ¿Nos pintará cuando seamos mayores? ¿Cómo nos vemos? ¿Qué hacemos?

AT: Todas ustedes son muy lindas y su padre tiene un talento especial para capturar sus diferentes personalidades e interacciones con el mundo que las rodea.

EB: ¡Guau! Bien, pues en estos momentos estoy interactuando con mi hermana para recuperar mi sombrero. ¡Hasta luego, Adele!

AT: ¡Madre mía! Supongo que eso es lo que hacen las hermanas. ¡Vámonos todos a la playa! ¿Qué les parece? ¡Nos vemos en dos escenas de playa de Robert Henri!

Adele Tanner (AT): Imagínense parados en esta playa. ¡Casi se puede sentir el viento en la cara y escuchar el choque de las olas! Ahhhhh, y a estas dos pinturas es donde me encantaría viajar ahora. ¡La playa! ¿Qué notan en estas pinturas? ¿Pueden imaginarse parados en el centro de esta pintura? ¡Me encanta cómo esta pintura capta la naturaleza en su verdadera forma! Robert Henri era muy conocido por sus pinceladas rápidas. Fue otro de los artistas norteamericanos que se trasladaron a Francia. La inspiración de esta pintura proviene de su visita a la playa Concarneau.

Dijo:

Robert Henri: “El arte es el obsequio que hace cada persona de su testimonio al mundo. Aquellos que desean dar, que quieren dar, descubren el placer de dar”.

AT: ¡Qué frase más potente de Robert Henri! ¡Es realmente un placer ser capaz de dar! ¡Sobre todo cuando uno está dando arte! ¿Qué piensan ustedes del arte como regalo?

AT: Oh no, amigos, parece que el reloj de mi viaje en el tiempo me dice que es hora de regresar a 1913. Estoy triste de irme, pero muy feliz de haber podido viajar en el tiempo hacia el futuro y haber hecho amigos tan maravillosos como ustedes. Va a ser muy divertido reportar acerca de la exposición De Whistler a Cassatt, con todos los artistas que hemos conocido, incluido mi abuelo Henry Tanner. Tengo todo lo que necesito para mi artículo, gracias a ustedes y a todos nuestros nuevos amigos artistas. ¡Bueno, me tengo que ir! ¡Allá voy, 1913! ¡Adiós, amigos!