A pair of hands holding a brush pen and a sketchbook on a grey table covered in story-book style drawings.

Personal y Universal

Guía para el facilitador
Sculptural installation comprised of air conditioner parts, and nylon pantyhose filled with sand, placed in the corner of a gallery with white walls.

Senga Nengudi, A.C.Q. I, 2016–17. Refrigerator and air conditioner parts, fan, nylon pantyhose, and sand. Denver Art Museum: Purchased with funds from the Contemporary Collectors’ Circle with additional support from Vicki and Kent Logan, Catherine Dews Edwards and Philip Edwards, Craig Ponzio, and Ellen and Morris Susman, 2020.566.1-3. © Senga Nengudi. Image shown: Installation photography at Sprüth Magers London by Stephen White. Courtesy of Sprüth Magers, Thomas Erben Gallery, and Lévy Gorvy.

Inspired By

A.C.Q. 1 by Senga Nengudi

Topic

Senga Nengudi talks about the connection between culture and identity, as well as the limitations they pose, in performance art and in using nontraditional art materials.

Rationale

Identifying with art goes beyond representation. Not only do various cultures need to be reflected, but viewers also need to be able to expand on ideas of identity. Art nurtures the spirit and provides ways of rethinking that allow students to develop their own sense of self.

Resources Include

For Facilitators

  • This how-to facilitation guide (includes information on theme and individual artworks, links for background research, and video demonstrating the art project)
  • Links to high-resolution images of the artwork
  • Teaching slides with condensed information and discussion questions: Elementary and Middle/High School

For Kids

El acto de equilibrio entre lo personal y lo universal

El arte a veces se origina en experiencias personales. Todo el mundo tiene experiencias personales y culturales únicas. Sin embargo, el arte también puede tratar de ideas artísticas, políticas y/o sociales universales. Al crear arte, los artistas a menudo se basan en historias personales, experiencias y sentimientos. Y este arte, cuando es presentado ante un público más grande, a menudo invita o desafía al espectador a conectarse con esas historias, experiencias y sentimientos.

Los espectadores también interpretarán esas historias, experiencias y sentimientos con su propia perspectiva única. Como espectadores y como creadores o artistas debemos preguntarnos: ¿cómo miramos hacia adentro y hacia afuera al mismo tiempo?

El arte visual se comunica con las personas de una manera que parece hablar al corazón, espíritu, alma y emociones humanas, conectando de formas que no siempre pueden articularse mediante otra forma de comunicación.

Este proceso de creación de significado con el arte es tanto personal como universal.

Vea este video de la artista Senga Nengudi y considere las formas en que ella recurre a su identidad personal y las formas en que se conecta universalmente en la lección siguiente.

Sculptural installation comprised of air conditioner parts, and nylon pantyhose filled with sand, placed in the corner of a gallery with white walls.

Senga Nengudi, A.C.Q. I, 2016–17. Refrigerator and air conditioner parts, fan, nylon pantyhose, and sand. Denver Art Museum: Purchased with funds from the Contemporary Collectors’ Circle with additional support from Vicki and Kent Logan, Catherine Dews Edwards and Philip Edwards, Craig Ponzio, and Ellen and Morris Susman, 2020.566.1-3. © Senga Nengudi. Image shown: Installation photography at Sprüth Magers London by Stephen White. Courtesy of Sprüth Magers, Thomas Erben Gallery, and Lévy Gorvy.

El solo hecho de existir es ya una declaración política. Así que, sea lo que sea que salga de mí tendrá todos estos elementos míos: soy negra, soy una mujer y en este momento soy una mujer de cierta edad. Así que simplemente por existir, soy esas cosas.

– Senga Nengudi
  • Considera esta declaración de Nengudi mientras observas su obra. ¿Puedes identificar alguna pista visual que marque la presencia de la artista?
  • Mira estas otras obras de arte.
  • ¿Qué aspectos de la identidad personal de la artista se comunican aquí?
  • ¿Qué aspectos de tu identidad se convierten en símbolos de las obras de arte que haces?

Acerca de la artista

Nacida en Chicago en 1943, Senga Nengudi creció en California y obtuvo una maestría en Escultura por la California State University en Los Ángeles. Su interés en Gutai, un movimiento artístico de vanguardia japonés, la motivó a estudiar en Tokio durante un año. Regresó a California para terminar su posgrado antes de abrir estudios de arte en Los Ángeles y Nueva York. De 1998 a 2008, enseñó en la Universidad de Colorado, Colorado Springs.

Las esculturas de Nengudi se asociaron al movimiento “Black Arts”, el cual dio forma artística al creciente activismo político y nacionalismo negro de la época. El trabajo de Nengudi es también un diálogo con las ideas del movimiento de arte feminista. Y, sin embargo, durante décadas ella y otros artistas negros fueron excluidos a causa del racismo. Además, el proceso y las obras de arte de Nengudi eran difíciles de categorizar.

Era escultora, pero una que usaba materiales baratos o encontrados. Era bailarina, pero en el corazón de sus actuaciones estaban aquellas extrañas creaciones. Su obra era demasiado conceptual para ser aceptada como ‘Arte negro’ por el mundo del arte convencional, que esperaba una visión estrictamente figurativa y sociológica de la vida negra en los Estados Unidos; pero también era demasiado claramente personal para ser celebrada junto a los hombres, en su mayoría blancos, que definían el arte conceptual de aquellos años. Era inclasificable en una época que, por toda su experimentación, todavía apreciaba los sistemas de organización.

(Lovia Gyarkye, 2020)

Durante las décadas siguientes, galerías y museos cuyos propietarios eran gente de raza blanca en los Estados Unidos permanecieron desinteresados en los artistas de raza negra. Durante este tiempo, Nengudi y otros artistas negros expusieron fuera del país y, dentro de los Estados Unidos, en galerías administradas por gente negra, y en bibliotecas públicas y centros comunitarios. Incluso crearon sus propias maneras de compartir su arte. Gracias a su perseverancia, Nengudi pudo exponer sus obras de arte continuamente y madurar como artista.

Gyarkye, Lovia. “La constante exploración de la forma humana de un artista”, New York Times, 9 de noviembre de 2020. Consultado el 17 de diciembre de 2020.

Acerca de A.C.Q. I

Sculptural installation comprised of air conditioner parts, and nylon pantyhose filled with sand, placed in the corner of a gallery with white walls.

Senga Nengudi, A.C.Q. I, 2016–17. Refrigerator and air conditioner parts, fan, nylon pantyhose, and sand. Denver Art Museum: Purchased with funds from the Contemporary Collectors’ Circle with additional support from Vicki and Kent Logan, Catherine Dews Edwards and Philip Edwards, Craig Ponzio, and Ellen and Morris Susman, 2020.566.1-3. © Senga Nengudi. Image shown: Installation photography at Sprüth Magers London by Stephen White. Courtesy of Sprüth Magers, Thomas Erben Gallery, and Lévy Gorvy.

En esta instalación de técnicas mixtas, Nengudi combina objetos industriales encontrados, duros y rígidos, con las propiedades blandas y elásticas del nailon. Nengudi trabaja con malla de nailon porque tiene relación con la elasticidad del cuerpo humano. Es similar al cuerpo porque es firme como la piel en el comienzo de su vida, y con el paso del tiempo y el uso comienza a aflojarse, sin volver a recuperar su forma original. La mezcla de tensión y movimiento da a entender que la resistencia y la fragilidad pueden coexistir. La obra también presenta características de temporalidad; los materiales corroídos atestiguan el paso del tiempo mientras que el ventilador en movimiento activa la escultura de la misma manera en que un artista lo haría en otras obras de Nengudi. Aunque la preservación de sus obras de arte a largo plazo no se consideró cuando las creó inicialmente, el paso del tiempo ha aceptado las esculturas. Se han convertido en metáforas para los cuerpos en transformación, actuando y dejando que actuaran sobre ellos, haciendo todo lo posible para existir en el mundo.

Considere esta cita sobre A.C.Q. –“Me gustó la idea de la fragilidad del cuerpo [medias de nailon] junto algo que es sólido y duro e inflexible”.

  • ¿Qué significa para ti la cita de Nengudi?
  • ¿Qué puede ayudarnos a entender la cita sobre esta obra de arte?
  • Si fueras a crear una instalación/obra de arte que sugiriera que la resiliencia y la fragilidad pueden coexistir en tu vida, ¿qué tipo de materiales utilizarías?

Extensión de la actividad

Still photograph of a Senga Nengudi performance in progress.

Senga Nengudi with R.S.V.P. X. Senga Nengudi Papers, Amistad Research Center, New Orleans, LA. © Senga Nengudi. Image courtesy Amistad Research Center.

Pase un par de pantimedias o pídales a los niños que traigan un par de medias de nailon/medias de alguien en su casa. Experimente con estirar y mover las medias y llénelas con material de peso.

  • ¿Qué se siente?
  • ¿A qué te recuerdan?
  • ¿Cómo te hace sentir manipular este material?
  • ¿Qué tipo de mensaje sobre el cuerpo podría comunicarse usando este material?

Trabajo con malla de nailon porque tiene relación con la elasticidad del cuerpo humano. Desde los tiernos y firmes comienzos hasta la flaccidez del final... El cuerpo puede soportar tanto estira y afloja sólo hasta cierto punto, antes de ceder y nunca volver a su forma original... Mis obras son recreaciones abstractas de cuerpos usados; imágenes visuales que sirven tanto a mis decisiones estéticas como a mis ideas.

– Senga Nengudi
  • ¿Qué significa para ti esta cita de Nengudi?
  • ¿Te ayuda a entender la obra de arte de una manera diferente?

Tu Turno

Inspirándote en el proceso de Nengudi y en cómo los artistas vinculan las identidades personales y la experiencia universal, te desafiamos a hacer lo mismo creando una breve performance de arte de tres minutos de duración con al menos un objeto ya hecho (un artículo común de tu vida utilizado en tu arte).

Crea una performance de arte que explore un aspecto de tu identidad utilizando tu objeto cotidiano como una herramienta en la obra de arte. Transforma la función del objeto seleccionado y dale un nuevo significado.

  1. Mira a tu interior: ¿Qué experiencias personales son fructíferas para explorar a través de la creación de arte? ¿Qué podría trascender tu ámbito personal y conectarse con otros universalmente? Utiliza este organizador de lluvia de ideas para elegir el tema o los temas que te parezcan más interesantes de explorar.
  2. Reúne objetos cotidianos que estén vinculados a tu tema de alguna manera
    1. ¿Cuál es el objeto? ¿Por qué estaría vinculado a tu tema?
    2. Experimenta con tus objetos. Colócalos en lugares sorprendentes o inusuales para verlos desde otra perspectiva o punto de vista. ¿Cómo se mueven? ¿Cómo pueden combinarse de formas poco habituales? ¿Qué otros experimentos se te ocurren?
  3. Participa en la autorreflexión. Escribe sobre tus ideas y planes iniciales para llevar a cabo el trabajo. Esto podría hacerse mediante un guion gráfico o un esquema de tu plan.
  4. Aclara y perfecciona tu proceso o enfoque mientras preparas tu performance.
  5. Haz tu presentación de tres minutos para una audiencia.
  6. Reflexiona describiendo todo lo que sucedió, registra las respuestas de los espectadores y analiza el proceso en su conjunto. Toma nota de posibles nuevas direcciones para explorar.

¿Qué es el arte de performance?

Still photograph of a Senga Nengudi performance in progress.

Senga Nengudi with R.S.V.P. X. Senga Nengudi Papers, Amistad Research Center, New Orleans, LA. © Senga Nengudi. Image courtesy Amistad Research Center.

El arte de performance es un acto de hacer, no es contar, recrear o representar. La diferencia más clara entre el arte de performance y una obra de teatro es que el arte de performance es real, una acción directa, mientras que las representaciones teatrales recrean una narrativa escrita. El arte de performance incorpora a menudo cuatro elementos: temporalidad o duración, espacio, acción corporal, incluida la quietud, y a menudo la presencia del artista. El arte de performance puede realizarse al aire libre o dentro de un estudio o galería.

El arte de performance suele consistir en un experimento del artista en vez de tratar de amenizar al público. Con frecuencia, un artista de performance se ha creado un reto y, movido por la curiosidad, actúa para descubrir.

En el arte de performance se trata de usar tu cuerpo y estar presente en el momento y, a menudo, incluye elementos juguetones en su creación. Muchas performances se basan en la interacción o las reacciones de una audiencia, aunque no siempre. Aquí estamos usando el arte de performance para explorar cómo lo personal puede ser universal. Debido a que este modo de creación artística trata sobre lo personal y lo político, es figurativo y conceptual, a veces sencillo y a veces complicado.

El DAM estableció los Recursos creativos gracias a una generosa donación de la fundación Morgridge Family Foundation. Las actividades presentadas han contado con la financiación de los fondos de la fundación Tuchman Family Foundation, la Freeman Foundation, la Virginia W. Hill Foundation, la Sidney E. Frank Foundation, el fondo Colorado Fund, Colorado Creative Industries, la fundación Margulf Foundation, la Riverfront Park Community Foundation, Lorraine y Harley Higbie, un donante anónimo, y los residentes que dan su apoyo al Distrito de Organizaciones Científicas y Culturales (SCFD por sus siglas en inglés). Un agradecimiento especial a nuestros colegas del Morgridge College of Education de la Universidad de Denver. El programa Free for Kids en el Denver Art Museum es posible gracias a Scott Reiman, con el apoyo de Bellco Credit Union.